May, 2020 | Pollock100.com

Kelompok Sekte Seniman Les Nabis – Nabis (dari bahasa Ibrani dan Arab untuk “nabi,”) adalah kelompok Simbol, seperti sekte yang didirikan oleh Paul Sérusier, yang mengorganisasi teman-temannya ke dalam kelompok rahasia. Ingin berhubungan dengan kekuatan yang lebih tinggi, kelompok ini merasa bahwa sang seniman dapat berfungsi sebagai “imam besar” dan “pelihat” dengan kekuatan untuk mengungkapkan yang tak terlihat. Para Nabis merasa bahwa sebagai seniman mereka adalah pencipta seni subjektif yang mengakar dalam jiwa seniman. Sementara karya-karya Nabis berbeda dalam hal subjek satu sama lain, mereka semua berasal dari prinsip formal tertentu.

Misalnya, gagasan bahwa lukisan adalah pengelompokan garis dan warna yang harmonis. Namun, gagasan yang satu ini menghasilkan banyak solusi berbeda. Subjektivitas dan apa yang bisa disebut gaya pribadi seniman, pada kenyataannya, dicapai melalui pilihan bagaimana mengatur garis-garis dan warna-warna ini. Sebagai contoh pendekatan Nabi, pada awal pertemuan mereka, mereka akan melafalkan “mantra” berikut ini bersama-sama: “suara, warna, dan kata-kata memiliki kekuatan ekspresif secara ajaib di luar semua representasi dan bahkan di luar makna harfiah kata-kata itu.” bet88

Sejak awal, Les Nabis sangat dipengaruhi oleh literatur kontemporer terutama puisi Romantis dan Simbolis Baudelaire, Mallarmé, dan Edgar Allan Poe dan penyair Henri Cazalis yang pertama kali mengusulkan nama grup. Studio bersama oleh Bonnard, Vuillard dan Denis di 28 rue Pigalle sering dikunjungi tidak hanya oleh pelukis Nabis lainnya tetapi oleh berbagai tokoh dari dunia sastra Paris. Yang paling utama adalah Pierre Veber, yang drama komedi periode tersebut termasuk Julien n’est pas un ingrat, yang ditayangkan perdana di Théâtre Antoine pada tahun 1898, dan yang novel-novelnya termasuk Les Couches profondes, diterbitkan oleh Empis pada tahun 1899. Selain itu, Denis menggambarkan edisi Sagesse karya Paul Verlaine dan Éloa karya Alfred de Vigny, sementara Vallotton membuat gambar untuk La Maîtresse oleh Jules Renard. www.mustangcontracting.com

Seperti banyak gerakan meteorik dari era modernis awal De Stijl, Der Blaue Reiter, Dada panjang masa jabatan kelompok ini berbanding terbalik dengan kedalaman pengaruhnya pada generasi seniman berikutnya. Les Nabis menggambarkan pengembangan Fauvisme, Kubisme, dan Ekspresionisme Jerman pada tahun-tahun pertama abad ke-20, yang pada gilirannya mengatur panggung untuk naiknya Abstrak Ekspresionisme, baik dalam iterasinya yang susah payah dan pasca-susah payah, pada periode pasca perang. Tidak terlalu jauh, banyak seniman kontemporer telah mengakui hutang kepada Les Nabis, termasuk Howard Hodgkin, Lisa Yuskavage dan Wadie El Mahdy.

Kelompok Nabi tumbuh dari karya Paul Gauguin, teori sastra, dan Simbolisme khususnya gagasan bahwa warna dan bentuk dapat mewakili pengalaman bahwa seperti yang dikatakan sejarawan Nabi Charles Chassé,”gambar memiliki makna hanya ketika ia memiliki ‘gaya.’ Artinya ketika artis telah berhasil mengubah bentuk objek yang dia lihat dan memaksakan pada kontur atau warna yang mengekspresikan kepribadiannya sendiri.

Para seniman Nabi menganggap diri mereka sebagai inisiat persaudaraan yang didedikasikan untuk mengeksplorasi sumber-sumber murni seni, pribadi atau spiritual. Mencari keindahan di luar yang ditemukan di alam, mereka memanfaatkan misteri dan mistis bahkan jika subjek terkait dengan kehidupan sehari-hari biasa.

Nabis memperluas estetika mereka ke bidang seni terapan juga, termasuk lukisan arsitektur, layar dekoratif, mural, poster, ilustrasi buku, dan desain untuk teater. Ketertarikan pada dekoratif adalah bagian dari retret abad ke-19 ke estetika dan keindahan dan selera abad berikutnya untuk abstraksi dan usia iklan.

The Talisman, the River Aven at the Bois d’Amour (1888)

Artis: Paul Sérusier

Dicat pada tutup kotak cerutu, karya ini dilukis di bawah arahan Paul Gauguin dengan gaya warna ekspresif Synthetist-nya. Gauguin telah mendorong Paul Sérusier untuk mendekati alam dari sudut pandang subyektif, menginstruksikan seniman untuk menggunakan warna langsung dari tabung daripada mencoba mencampurnya dan mencocokkannya dengan apa yang dilihatnya di alam. Menurut Maurice Denis, Gauguin telah memberi tahu Sérusier: “Bagaimana Anda melihat pohon-pohon ini? Mereka berwarna kuning. Jadi, masukkan warna kuning; bayangan ini, agak biru, cat dengan ultramarine murni; daun merah ini? Dimasukkan ke dalam vermilion.” Namun, lukisan itu juga berbeda dari karya Gauguin. Hasilnya jauh lebih abstrak – realitas yang dilukis, “setara” dari apa yang dirasakan oleh seniman – dengan bidang datar berwarna tebal. Namun, beberapa elemen lanskap tetap dapat dikenali: pohon, jalan setapak, tepi sungai, dan gilingan. Sekembalinya ke Paris, Sérusier menunjukkan kepada rekan-rekan pelukis mudanya, Nabis masa depan, apa yang akan menjadi “Jimat” mereka: “pesona magis” untuk grup. Ahli teori dari kelompok Nabi, Denis, menjelaskan bahwa di depan lanskap ini, ia dan teman-temannya merasa terbebas dari semua kuk yang dibawa oleh ide penyalinan ke naluri pelukis kita.

Paul Ranson in Nabi Costume (1890)

Artis: Paul Sérusier

Kita tahu sangat sedikit potret oleh Paul Sérusier, yang lebih berspesialisasi dalam menghasilkan adegan kehidupan pedesaan dalam gaya Sintetis Paul Gauguin. Subjek potret, Paul Ranson, adalah anggota kelompok Nabi sejak didirikan oleh Sérusier pada tahun 1888, dan digambarkan di sini dalam apa yang tampaknya menjadi kostum seremonial. Diakui oleh janggut dan lorgnon-nya, ia digambarkan menguraikan karakter-karakter misterius dari sebuah naskah besar. Ini adalah contoh jelas dari esoterisme yang disukai oleh Nabis tertentu, termasuk Sérusier dan Ranson. Selain itu, kelompok itu biasa bertemu di studio Ranson di Boulevarde du Montparnasse setiap hari Sabtu. Studio itu dijuluki “Kuil.” Tidak ada bukti bahwa Nabis benar-benar mengenakan pakaian seperti ini; memang, penting untuk diingat bahwa pertemuan Nabis di “Kuil” juga bisa ringan dan lucu. Namun, berbagai simbol pada kostum Ranson mengungkapkan minat Sérusier pada okultisme. Ini termasuk bintang berujung lima yang menghias Krosier. “Pentogram” ini, misalnya, dapat mewakili pikiran atau kepala yang mendominasi keempat anggota badan. Oleh karena itu, lukisan Sérusier berfungsi sebagai semacam dokumen kelompok Nabis yang menunjukkan praktik-praktik kelompok itu secara simbolis.

Nabi Landscape (1890)

Artis: Paul Ranson

Komposisi sederhana ini didasarkan pada bentuk datar termasuk pola datar, eksotis Paul Gauguin – warna yang intens, dan garis lengkung berdasarkan bentuk organik. Namun, subyeknya adalah Simbol dalam karakter, dan termasuk simbol astral matahari dan bulan yang melayang di langit di atas gunung (rumah surga para dewa), seorang tokoh nabi berjenggot atau “Nabi” yang terbungkus dalam aura gelap, (yang beberapa telah menyarankan mewakili dewa Hindu Rama) mengenakan gelang ouroboros (ular menggigit ekornya), burung merak, dan burung seperti burung phoenix – semua simbol dari kehidupan siklus dan kekal – dipasang oleh sosok perempuan (mungkin Sita, istri Rama, kembali ke bumi). Di belakang lukisan itu ada huruf-huruf Arab yang menyebutkan “Nabi.” Dalam lukisan ini, Ranson mengungkapkan dirinya sebagai seniman Nabi yang paling dekat dengan gaya Art Nouveau, dan seniman itu mungkin paling serius berhubungan dengan jenis ikonografi yang tidak jelas yang diambil dari agama-agama dunia, legenda Celtic, dan teosofi (sebuah sistem filsafat esoteris yang mencari langsung pengetahuan tentang misteri makhluk dan alam, khususnya sifat ilahi).

Seni Illustrasi Art Nouveau – Jika Anda pernah ke Paris atau melihatnya di foto, Anda akan mengenali gerbang yang berputar-putar, seperti tanaman, dengan huruf khasnya, yang berfungsi sebagai jalan masuk ke sistem kereta bawah tanah kota, atau metro, seperti yang dikenal di sana. Dari sekian banyak istilah untuk Art Nouveau di Prancis, Style Metro tetap menjadi salah satu yang paling gigih, berkat desain abadi Hector Guimard untuk pintu masuk. Diluncurkan pada Pameran Dunia Paris pada tahun 1900, desainnya menjadi simbol gerakan Art Nouveau.

Tapi itu sudah dimulai bertahun-tahun sebelumnya. Dari tahun 1880-an hingga Perang Dunia I, karya seni, objek desain, dan arsitektur di Eropa Barat dan Amerika Serikat tumbuh dengan garis-garis yang berliku-liku dan sulit diatur. Mengambil isyarat dari kurva Rococo, motif grafis Celtic, master Jepang Ando Hiroshige dan Katsushika Hokusai, dan Lagu-Lagu Innocence karya William Blake (1789), seniman Art Nouveau mengambil bentuk tanaman yang mereka lihat di alam dan kemudian memipihkan dan mengabstraksi mereka menjadi motif organik yang elegan. slot online

Asal Mula

Istilah Art Nouveau pertama kali muncul dalam jurnal seni Belgia L’Art Moderne pada tahun 1884 untuk menggambarkan karya Les Vingt, sebuah masyarakat dari 20 seniman progresif yang termasuk James Ensor. Para pelukis ini menanggapi teori-teori terkemuka oleh arsitek Prancis Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc dan kritikus Inggris John Ruskin, yang menganjurkan persatuan semua seni. Pada bulan Desember 1895, pedagang seni kelahiran Jerman, Siegfried Bing, membuka sebuah galeri di Paris yang bernama “Maison l’Art Nouveau.” Bercabang dari keramik Jepang dan cetakan ukiyo-e yang telah dikenalnya, Bing mempromosikan “seni baru” ini di galeri, menjual pilihan furnitur, kain, wallpaper, dan benda-benda seni. https://www.mustangcontracting.com/

Mendorong bentuk dan pola organik Art Nouveau mengalir dari satu objek ke objek lainnya, para teoretikus gerakan ini memperjuangkan koordinasi seni dan desain yang lebih besar. Sebagai kelanjutan dari ide-ide demokratis dari gerakan Seni dan Kerajinan Inggris, dorongan ini sama politisnya dengan estetika. Ayah filosofis gerakan, perancang dan pengusaha Inggris William Morris, mendefinisikan tujuan utamanya: “Untuk memberikan kesenangan kepada orang-orang dalam hal-hal yang harus mereka paksa gunakan, itu adalah satu kantor dekorasi yang hebat; untuk memberi orang kesenangan dalam hal-hal yang harus mereka paksa lakukan, itu adalah penggunaan lain dari itu.” Morris meremehkan kondisi kerja yang ditimbulkan oleh revolusi industri dan membenci bric-a-brac berkualitas rendah yang dibuat oleh pabrik-pabrik dan dikumpulkan di rumah-rumah di zaman itu.

Dia bersikeras bahwa desain fungsional dimasukkan ke dalam objek kehidupan sehari-hari, dan campuran estetika dan etika menolak kualitas ornamen berat abad ke-19, khususnya ekses rumit, hampir mencekik periode Victoria. Ide-idenya terwujud sebagai banyak rasa nasional yang berbeda. Di Skotlandia, ada Gaya Glasgow bujursangkar; di Italia, Arte Nuova atau Stile Liberty, setelah perusahaan London Liberty & Co.; Gaya nouille (“mie”) atau kudeta fouet (“whiplash”) di Belgia; Jugendstil (“gaya muda”) di Jerman dan Austria; Gaya Tiffany di Amerika Serikat; dan di Perancis, Style Metro, fin-de-siècle, dan Belle Époque. Bagi sebagian orang, Art Nouveau adalah gaya terpadu terakhir; bagi yang lain, itu bukan satu gaya, tetapi banyak. Seperti semua gerakan seni hingga akhir abad ke-20, ia didominasi oleh laki-laki.

Pemimpin Art Nouveau

Mungkin orang yang paling baik mengungkapkan busur sejarah Art Nouveau yang curam, seperti nyala api yang menyala terang tetapi singkat, adalah pemuda Inggris Aubrey Vincent Beardsley, yang kepekaannya yang menyimpang menjadikannya sosok Art Nouveau yang paling kontroversial. Menemukan inspirasi dengan cara yang tidak senonoh dari ekspatriat Amerika James Abbott McNeill Whistler dan dalam poster Japoniste Henri de Toulouse-Lautrec, Beardsley memulai karier artistik formalnya pada usia 19 tahun. Pelukis Pra-Raphaelite yang terkenal Sir Edward Burne-Jones akan datang untuk memuji-muji gambar Beardsley yang tidak terlatih ketika dia melihatnya pada tahun 1891.

Ilustrasi tinta Beardsley di India untuk sandiwara Oscar Wilde, Salomé, membangun banyak cita-cita penting Art Nouveau. Citra bayangan mereka, pola dekoratif yang datar, kontras yang mencolok, dan garis-garis yang terkendali tetapi cepat dengan cepat mendapatkan pengakuan internasional seniman. Menggambarkan kisah alkitabiah tentang Herodes memenggal St. Yohanes Pembaptis atas permintaan Salomé, gambar untuk “Jais baisé ta bouche, Iokanaan” menetes dengan citra erotis: lipatan kain, aliran darah, dan sulur rambut. Di kanan bawah, bunga mekar menggelegak dalam kegelapan, sementara bagian hitam di kiri atas tampaknya bergema dengan pikiran gelap Salomé yang cemberut. Berkat bakatnya belum lagi kecenderungannya untuk topik erotis dan terkadang pornografi, Beardsley menjadi batu ujian bagi beberapa karya paling artistik dari Art Nouveau, meskipun kematiannya dini karena TBC pada tahun 1898.

Sementara Beardsley adalah anak ajaib yang tidak terlatih, Gustav Klimt menghadiri Sekolah Seni dan Kerajinan Wina (Kunstgewerbeschule) dan memulai karirnya sebagai pendiri wunderkind. Karya-karya awal Klimt, seperti muralnya untuk Burgtheater yang baru di Ringstrasse di Wina, memenuhi ekspektasi akademis dan borjuis untuk seni dengan penggambaran naturalistik mereka dari adegan sejarah.

Tetapi tidak semua pekerjaan Klimt cocok dengan batasan ortodoks semacam itu. Suasana cinta erotis dan seksualitas yang melingkupi Wina sekitar tahun 1900 memberikan pengaruh yang kuat pada artis. Seperti filsuf Friedrich Nietzsche, Klimt melihat seniman sebagai pembawa kebenaran, bukan fantasi. Pada tahun 1894, ia melakukan komisi untuk mural di ruang pertemuan Universitas Wina. Alih-alih mewakili bidang Kedokteran dengan cara yang logis atau bersih, seperti yang diharapkan, Klimt menggambarkan kebingungan dan kegelapan, menyatukan tubuh telanjang dan menyandingkan perut hamil dengan kerangka terselubung.

Skandal yang terjadi akhirnya mengakhiri karir akademik Klimt, mendorongnya untuk mendirikan dan melayani sebagai presiden pertama Sezession, kelompok Art Nouveau radikal di Wina yang mempertemukan seniman, desainer, dan arsitek. Mereka berkolaborasi dalam prinsip Gesamtkunstwerk, atau “total karya seni,” yang bertujuan untuk mengangkat secara spiritual melalui kombinasi keindahan dan kegunaan. Desain Josef Hoffmann untuk ruang makan di Palais Stoclet Brussels, yang termasuk mural arboreal yang dipenuhi spiral Klimt, mencontohkan tujuan ini.

Akan tetapi, gaya potretnya yang ikonik, membuatnya mendapatkan tempat dalam jajaran bersejarah seni. The Kiss (1907), mungkin karyanya yang paling terkenal, menampilkan unsur-unsur dasar tetapi revolusioner dari idiom khasnya: perataan bentuk dan desain yang kaya tumbuh subur dalam petak-petak daun emas yang diaplikasikan pada kanvas. Mewakili cinta sebagai penjajaran permukaan, Ciuman mengunci figur sentral dalam bentuk konsentris, melilit tubuh kekasih seperti perhiasan di cincin emas. Mereka merangkul, jubah berkilauan di sekeliling mereka seperti selaput, dan dinding bunga jatuh. Erotisme cemas yang membuat Klimt dikenal menanamkan karya seniman berikutnya, termasuk anak didiknya Schone.

Seni dekoratif membentuk landasan lain dari warisan Art Nouveau. Sementara Perancis adalah rumah bagi banyak tokoh terkenal Georges de Feure, Édouard Colonna, dan Eugène Gaillard, di antara yang lain di sisi lain Atlantik, Louis Comfort Tiffany menjadi nama yang paling terkait dengan gerakan Art Nouveau di Amerika Serikat.

Pewaris Tiffany & Co., sebuah perusahaan yang didirikan oleh ayahnya, Charles Lewis Tiffany, pada tahun 1837, Tiffany memulai karirnya sebagai pelukis. Setelah belajar di bawah kepemimpinan George Inness, ia mulai bekerja dengan seni dekoratif pada tahun 1870-an. Didukung oleh pelanggan yang antusias di New York, ia menghasilkan interior yang rumit dan logam pelengkap, enamel, pencahayaan, dan perhiasan.

Tapi Tiffany (serta pesaing utamanya, John LaFarge) terkenal karena fabrikasi inovatif kaca bertimbal yang menjadi fenomena khas Amerika. Pada tahun 1881, percobaannya dalam bidang kimia telah menyebabkan pengembangan kaca dengan sentuhan akhir yang menghasilkan kualitas cahaya seperti mimpi. Fitur yang bertahan dari perkebunan Tiffany yang rumit di Long Island, Laurelton Hall, mengungkapkan karyanya dengan mekar penuh, dengan jendela, ubin keramik, dan fitur arsitektur yang menyatu menjadi ceruk seperti taman. Pewarnaan gelasnya dalam berbagai warna dan menambahkan detail yang dicat dengan baik sebelum menembak, Tiffany menciptakan tampilan revolusioner yang sangat sukses dan memungkinkan perusahaan untuk memperluas ke kerajaan seni dekoratif dan perhiasan yang berlanjut hingga hari ini.

Mengapa Art Nouveau Penting?

Keberhasilan Tiffany dan seniman dekoratif lainnya memberi kesaksian tentang tujuan Art Nouveau untuk menghancurkan hierarki antara seni. Munculnya seni cetak dan grafis sama-sama mengedepankan tujuan ini dan, tidak seperti kreasi Tiffany yang lebih terencana, mereka dapat direproduksi untuk memperkaya kehidupan masyarakat yang lebih luas. Representasi seniman Ceko Alphonse Mucha dari la femme nouvelle (wanita baru yang berani) adalah ilustrasi dari media iklan grafis yang sedang muncul, seperti halnya Jules Cheret, yang desain khas Belle Époque membuatnya dianggap sebagai bapak poster modern. Bahkan pelukis berbakat seperti Henri de Toulouse-Lautrec dan Jan Toorop menjadi terkenal karena seni grafis mereka serta kanvas mereka.

Mengikuti visi Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc, arsitek menggunakan baja dan material modern lainnya untuk membuat kosa kata baru yang menampilkan bentuk melengkung dan kantilever. Tassel House yang memukau oleh Henry van de Velde dan Victor Horta, yang terakhir adalah murid Belgia berbakat dari Morris dan Viollet-le-Duc, tetap menjadi puncak dari desain arsitektur yang cair ini. Contoh luar biasa lainnya datang dari Charles Rennie Mackintosh dan Margaret Macdonald di Skotlandia; Otto Wagner di Austria; Louis Sullivan di Amerika Serikat; dan Antoni Gaudi yang tak ada bandingannya, dikenal karena Casa Mila dan Sagrada Familia, di Catalonia Spanyol.

Art Nouveau menjembatani kesenjangan penting antara estetika abad ke-19 dan desain abad ke-20. Wassily Kandinsky dan Ernst Ludwig Kirchner, misalnya, dua pelukis modern yang ikonik, bekerja di Jugendstil sebelum bergerak ke gaya pribadi mereka sendiri. Tapi, secepat ia berkembang di lanskap estetika Barat, Art Nouveau mulai layu di awal abad ke-20. Pada akhirnya, reputasi gerakan dekadensi mendorong irisan yang tidak disengaja antara pelanggan kaya dan pekerja terampil. Karakter bunga yang mengalir dan dulu dipuji menjadi tanggung jawabnya, membuat ilustrator Inggris Walter Crane mengutuknya sebagai “penyakit dekoratif yang aneh” sejak tahun 1903. Pada tahun 1920, gaya kudeta de fouet, atau whiplash, telah lemas, berganti nama gaya branche de persil, atau setangkai peterseli.