Seni Illustrasi Art Nouveau – Jika Anda pernah ke Paris atau melihatnya di foto, Anda akan mengenali gerbang yang berputar-putar, seperti tanaman, dengan huruf khasnya, yang berfungsi sebagai jalan masuk ke sistem kereta bawah tanah kota, atau metro, seperti yang dikenal di sana. Dari sekian banyak istilah untuk Art Nouveau di Prancis, Style Metro tetap menjadi salah satu yang paling gigih, berkat desain abadi Hector Guimard untuk pintu masuk. Diluncurkan pada Pameran Dunia Paris pada tahun 1900, desainnya menjadi simbol gerakan Art Nouveau.
Tapi itu sudah dimulai bertahun-tahun sebelumnya. Dari tahun 1880-an hingga Perang Dunia I, karya seni, objek desain, dan arsitektur di Eropa Barat dan Amerika Serikat tumbuh dengan garis-garis yang berliku-liku dan sulit diatur. Mengambil isyarat dari kurva Rococo, motif grafis Celtic, master Jepang Ando Hiroshige dan Katsushika Hokusai, dan Lagu-Lagu Innocence karya William Blake (1789), seniman Art Nouveau mengambil bentuk tanaman yang mereka lihat di alam dan kemudian memipihkan dan mengabstraksi mereka menjadi motif organik yang elegan. slot online
Asal Mula
Istilah Art Nouveau pertama kali muncul dalam jurnal seni Belgia L’Art Moderne pada tahun 1884 untuk menggambarkan karya Les Vingt, sebuah masyarakat dari 20 seniman progresif yang termasuk James Ensor. Para pelukis ini menanggapi teori-teori terkemuka oleh arsitek Prancis Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc dan kritikus Inggris John Ruskin, yang menganjurkan persatuan semua seni. Pada bulan Desember 1895, pedagang seni kelahiran Jerman, Siegfried Bing, membuka sebuah galeri di Paris yang bernama “Maison l’Art Nouveau.” Bercabang dari keramik Jepang dan cetakan ukiyo-e yang telah dikenalnya, Bing mempromosikan “seni baru” ini di galeri, menjual pilihan furnitur, kain, wallpaper, dan benda-benda seni. https://www.mustangcontracting.com/
Mendorong bentuk dan pola organik Art Nouveau mengalir dari satu objek ke objek lainnya, para teoretikus gerakan ini memperjuangkan koordinasi seni dan desain yang lebih besar. Sebagai kelanjutan dari ide-ide demokratis dari gerakan Seni dan Kerajinan Inggris, dorongan ini sama politisnya dengan estetika. Ayah filosofis gerakan, perancang dan pengusaha Inggris William Morris, mendefinisikan tujuan utamanya: “Untuk memberikan kesenangan kepada orang-orang dalam hal-hal yang harus mereka paksa gunakan, itu adalah satu kantor dekorasi yang hebat; untuk memberi orang kesenangan dalam hal-hal yang harus mereka paksa lakukan, itu adalah penggunaan lain dari itu.” Morris meremehkan kondisi kerja yang ditimbulkan oleh revolusi industri dan membenci bric-a-brac berkualitas rendah yang dibuat oleh pabrik-pabrik dan dikumpulkan di rumah-rumah di zaman itu.
Dia bersikeras bahwa desain fungsional dimasukkan ke dalam objek kehidupan sehari-hari, dan campuran estetika dan etika menolak kualitas ornamen berat abad ke-19, khususnya ekses rumit, hampir mencekik periode Victoria. Ide-idenya terwujud sebagai banyak rasa nasional yang berbeda. Di Skotlandia, ada Gaya Glasgow bujursangkar; di Italia, Arte Nuova atau Stile Liberty, setelah perusahaan London Liberty & Co.; Gaya nouille (“mie”) atau kudeta fouet (“whiplash”) di Belgia; Jugendstil (“gaya muda”) di Jerman dan Austria; Gaya Tiffany di Amerika Serikat; dan di Perancis, Style Metro, fin-de-siècle, dan Belle Époque. Bagi sebagian orang, Art Nouveau adalah gaya terpadu terakhir; bagi yang lain, itu bukan satu gaya, tetapi banyak. Seperti semua gerakan seni hingga akhir abad ke-20, ia didominasi oleh laki-laki.
Pemimpin Art Nouveau
Mungkin orang yang paling baik mengungkapkan busur sejarah Art Nouveau yang curam, seperti nyala api yang menyala terang tetapi singkat, adalah pemuda Inggris Aubrey Vincent Beardsley, yang kepekaannya yang menyimpang menjadikannya sosok Art Nouveau yang paling kontroversial. Menemukan inspirasi dengan cara yang tidak senonoh dari ekspatriat Amerika James Abbott McNeill Whistler dan dalam poster Japoniste Henri de Toulouse-Lautrec, Beardsley memulai karier artistik formalnya pada usia 19 tahun. Pelukis Pra-Raphaelite yang terkenal Sir Edward Burne-Jones akan datang untuk memuji-muji gambar Beardsley yang tidak terlatih ketika dia melihatnya pada tahun 1891.
Ilustrasi tinta Beardsley di India untuk sandiwara Oscar Wilde, Salomé, membangun banyak cita-cita penting Art Nouveau. Citra bayangan mereka, pola dekoratif yang datar, kontras yang mencolok, dan garis-garis yang terkendali tetapi cepat dengan cepat mendapatkan pengakuan internasional seniman. Menggambarkan kisah alkitabiah tentang Herodes memenggal St. Yohanes Pembaptis atas permintaan Salomé, gambar untuk “Jais baisé ta bouche, Iokanaan” menetes dengan citra erotis: lipatan kain, aliran darah, dan sulur rambut. Di kanan bawah, bunga mekar menggelegak dalam kegelapan, sementara bagian hitam di kiri atas tampaknya bergema dengan pikiran gelap Salomé yang cemberut. Berkat bakatnya belum lagi kecenderungannya untuk topik erotis dan terkadang pornografi, Beardsley menjadi batu ujian bagi beberapa karya paling artistik dari Art Nouveau, meskipun kematiannya dini karena TBC pada tahun 1898.
Sementara Beardsley adalah anak ajaib yang tidak terlatih, Gustav Klimt menghadiri Sekolah Seni dan Kerajinan Wina (Kunstgewerbeschule) dan memulai karirnya sebagai pendiri wunderkind. Karya-karya awal Klimt, seperti muralnya untuk Burgtheater yang baru di Ringstrasse di Wina, memenuhi ekspektasi akademis dan borjuis untuk seni dengan penggambaran naturalistik mereka dari adegan sejarah.
Tetapi tidak semua pekerjaan Klimt cocok dengan batasan ortodoks semacam itu. Suasana cinta erotis dan seksualitas yang melingkupi Wina sekitar tahun 1900 memberikan pengaruh yang kuat pada artis. Seperti filsuf Friedrich Nietzsche, Klimt melihat seniman sebagai pembawa kebenaran, bukan fantasi. Pada tahun 1894, ia melakukan komisi untuk mural di ruang pertemuan Universitas Wina. Alih-alih mewakili bidang Kedokteran dengan cara yang logis atau bersih, seperti yang diharapkan, Klimt menggambarkan kebingungan dan kegelapan, menyatukan tubuh telanjang dan menyandingkan perut hamil dengan kerangka terselubung.
Skandal yang terjadi akhirnya mengakhiri karir akademik Klimt, mendorongnya untuk mendirikan dan melayani sebagai presiden pertama Sezession, kelompok Art Nouveau radikal di Wina yang mempertemukan seniman, desainer, dan arsitek. Mereka berkolaborasi dalam prinsip Gesamtkunstwerk, atau “total karya seni,” yang bertujuan untuk mengangkat secara spiritual melalui kombinasi keindahan dan kegunaan. Desain Josef Hoffmann untuk ruang makan di Palais Stoclet Brussels, yang termasuk mural arboreal yang dipenuhi spiral Klimt, mencontohkan tujuan ini.
Akan tetapi, gaya potretnya yang ikonik, membuatnya mendapatkan tempat dalam jajaran bersejarah seni. The Kiss (1907), mungkin karyanya yang paling terkenal, menampilkan unsur-unsur dasar tetapi revolusioner dari idiom khasnya: perataan bentuk dan desain yang kaya tumbuh subur dalam petak-petak daun emas yang diaplikasikan pada kanvas. Mewakili cinta sebagai penjajaran permukaan, Ciuman mengunci figur sentral dalam bentuk konsentris, melilit tubuh kekasih seperti perhiasan di cincin emas. Mereka merangkul, jubah berkilauan di sekeliling mereka seperti selaput, dan dinding bunga jatuh. Erotisme cemas yang membuat Klimt dikenal menanamkan karya seniman berikutnya, termasuk anak didiknya Schone.
Seni dekoratif membentuk landasan lain dari warisan Art Nouveau. Sementara Perancis adalah rumah bagi banyak tokoh terkenal Georges de Feure, Édouard Colonna, dan Eugène Gaillard, di antara yang lain di sisi lain Atlantik, Louis Comfort Tiffany menjadi nama yang paling terkait dengan gerakan Art Nouveau di Amerika Serikat.
Pewaris Tiffany & Co., sebuah perusahaan yang didirikan oleh ayahnya, Charles Lewis Tiffany, pada tahun 1837, Tiffany memulai karirnya sebagai pelukis. Setelah belajar di bawah kepemimpinan George Inness, ia mulai bekerja dengan seni dekoratif pada tahun 1870-an. Didukung oleh pelanggan yang antusias di New York, ia menghasilkan interior yang rumit dan logam pelengkap, enamel, pencahayaan, dan perhiasan.
Tapi Tiffany (serta pesaing utamanya, John LaFarge) terkenal karena fabrikasi inovatif kaca bertimbal yang menjadi fenomena khas Amerika. Pada tahun 1881, percobaannya dalam bidang kimia telah menyebabkan pengembangan kaca dengan sentuhan akhir yang menghasilkan kualitas cahaya seperti mimpi. Fitur yang bertahan dari perkebunan Tiffany yang rumit di Long Island, Laurelton Hall, mengungkapkan karyanya dengan mekar penuh, dengan jendela, ubin keramik, dan fitur arsitektur yang menyatu menjadi ceruk seperti taman. Pewarnaan gelasnya dalam berbagai warna dan menambahkan detail yang dicat dengan baik sebelum menembak, Tiffany menciptakan tampilan revolusioner yang sangat sukses dan memungkinkan perusahaan untuk memperluas ke kerajaan seni dekoratif dan perhiasan yang berlanjut hingga hari ini.
Mengapa Art Nouveau Penting?
Keberhasilan Tiffany dan seniman dekoratif lainnya memberi kesaksian tentang tujuan Art Nouveau untuk menghancurkan hierarki antara seni. Munculnya seni cetak dan grafis sama-sama mengedepankan tujuan ini dan, tidak seperti kreasi Tiffany yang lebih terencana, mereka dapat direproduksi untuk memperkaya kehidupan masyarakat yang lebih luas. Representasi seniman Ceko Alphonse Mucha dari la femme nouvelle (wanita baru yang berani) adalah ilustrasi dari media iklan grafis yang sedang muncul, seperti halnya Jules Cheret, yang desain khas Belle Époque membuatnya dianggap sebagai bapak poster modern. Bahkan pelukis berbakat seperti Henri de Toulouse-Lautrec dan Jan Toorop menjadi terkenal karena seni grafis mereka serta kanvas mereka.
Mengikuti visi Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc, arsitek menggunakan baja dan material modern lainnya untuk membuat kosa kata baru yang menampilkan bentuk melengkung dan kantilever. Tassel House yang memukau oleh Henry van de Velde dan Victor Horta, yang terakhir adalah murid Belgia berbakat dari Morris dan Viollet-le-Duc, tetap menjadi puncak dari desain arsitektur yang cair ini. Contoh luar biasa lainnya datang dari Charles Rennie Mackintosh dan Margaret Macdonald di Skotlandia; Otto Wagner di Austria; Louis Sullivan di Amerika Serikat; dan Antoni Gaudi yang tak ada bandingannya, dikenal karena Casa Mila dan Sagrada Familia, di Catalonia Spanyol.
Art Nouveau menjembatani kesenjangan penting antara estetika abad ke-19 dan desain abad ke-20. Wassily Kandinsky dan Ernst Ludwig Kirchner, misalnya, dua pelukis modern yang ikonik, bekerja di Jugendstil sebelum bergerak ke gaya pribadi mereka sendiri. Tapi, secepat ia berkembang di lanskap estetika Barat, Art Nouveau mulai layu di awal abad ke-20. Pada akhirnya, reputasi gerakan dekadensi mendorong irisan yang tidak disengaja antara pelanggan kaya dan pekerja terampil. Karakter bunga yang mengalir dan dulu dipuji menjadi tanggung jawabnya, membuat ilustrator Inggris Walter Crane mengutuknya sebagai “penyakit dekoratif yang aneh” sejak tahun 1903. Pada tahun 1920, gaya kudeta de fouet, atau whiplash, telah lemas, berganti nama gaya branche de persil, atau setangkai peterseli.
